Julio César Abad Vidal

Si quisieran ser destacados dos aspectos de la nutridísima nómina de producciones que han podido disfrutarse en la XXII edición del Festival Internacional de Teatro de Títeres de Segovia, Titirimundi, podrían señalarse, en primer lugar, los espectáculos unipersonales que abarcan desde la sencillez directa y emotiva al manejo prodigioso de aparatos espectaculares y, en segundo lugar, los números escenográficos, aquéllos que precisan de una escenografía creada específicamente que es desplazada con los titiriteros.
Una de las facetas más relevantes del Festival, la presencia incesante de pasacalles que cursan la ciudad durante su desarrollo, ha sido afectada este año por la lluvia, que ha reducido su presencia notablemente. La organización del Festival, no obstante, ha logrado salvar la mayoría de los espectáculos haciendo un ímprobo esfuerzo por reubicar las actuaciones bajo cubierto. Había particular interés por presenciar uno de los pasacalles, Merma nuncamuere la recreación de un espectáculo, Mori el Merma (Muera el Merma, de 1978) para que el que Joan Miró había diseñado el vestuario. La compañía de Joan Baixas tuvo la fortuna de que escampara para cada una de las tres actuaciones previstas. Un dictador (inspirado en el Ubú de Alfred Jarry y que es evidentemente Franco) y su mujer (cuyo collar de perlas recuerda al que lucía pertinazmente Carmen Polo) viajan en sendos coches de lujo flanqueados por una comitiva grotesca que por un parlamento, a su término, del tirano conoceremos que se trata de miembros destacados de la Economía, el Ejército y la Iglesia que se pliegan servilmente a sus órdenes. El espectáculo consiste en una provocación escatológica y maniquea que identifica, en boca de Merma, la libertad con “hacer lo contrario de aquello se ordena”.

Espectáculos unipersonales
En el primer grupo que hemos destacado habría de destacarse la propuesta de Viktor Antonov, una suerte de circo diminuto. Antonov manipula distintos títeres de hilo, personajes y animales, que desarrollan sus números circenses de modo secuencial: una bailarina que evoluciona con brillantes elementos en sus manos, una familia de tres primates malabaristas, un forzudo cuyo rostro enrojece a la vista del público a causa del esfuerzo, una danza del vientre a cargo de una cómica figura de cuerpo esférico o un ilusionista que, entre otros prodigios, hace aparecer una flor del interior de un jarrón al meter agua en él con una regadera. Los títeres desempeñan sus funciones de una manera sorprendente gracias al extraordinario virtuosismo de quien les maneja. Destacable, asimismo, en este sentido, ha sido la reposición de un espectáculo admirable, Mikropódium de András Lénárt, una sucesión de acciones coreografiadas por pequeñas marionetas manipuladas con alambre: un payaso acordeonista (imagen que ha servido este año como cartel del Festival) y que casi al término de la función hará bailar con su mano derecha un plato chino, una pareja de delfines, una sirena y una bailarina clásica que en un instante prodigioso conduce el titiritero a las palmas extendidas de las manos de los niños del auditorio en un momento enternecedor que ha llenado de lágrimas los rostros de muchos adultos fascinados. Y el espectáculo narrativo Entre diluvios que mediante una discreta nómina de elementos imaginativamente desplazados presenta diferentes episodios de la historia sagrada: Creación, Tentación, Muerte de Abel, Sodoma (con un velo lírico maldito profundísimo) y Arca de Noé a cargo de Jaime Santos (actor magnífico) de la Compañía La Chana.
El número unipersonal más espectacular ha sido por la aparatosidad de sus mecanismos, Diva de Sofie Krog. Una historia de género fantástico que combina elementos trágicos y cómicos y números musicales para narrar el intento fáustico de un inventor por crear la pócima de la vida eterna. Para ello, la marionetista, siempre oculta hasta el momento de recibir los aplausos, se halla en el interior de una gran caja giratoria que ofrece alternativamente diversos escenarios: uno en el que canta la diva, el laboratorio en el que el doctor procede a sus experimentos, una playa. La verosimilitud de cada una de las escenas resulta admirable, y extraordinariamente compleja en el caso del laboratorio, con elementos maquinales que se accionan, así como luces y sonidos.

Escenografías
Uno de los escenarios clásicos de Titirimundi es la pequeña carpa del circo de pulgas de Dominique Kerignard, un espectáculo de ilusión y comicidad en el que casi tan importante como observar atentamente la escena diminuta es apreciar los rostros y las reacciones del público infantil. Asimismo infantil es el espectáculo Pig de The Whalley Range Alll Stars, episodios de la vida de un matrimonio de granjeros que se desarrolla en el interior de una marrana hinchable y que es posible observar a través de diez escotillas en forma de mamas. Se trata de un espectáculo humorístico por la inverosimilitud temporal de las acciones: dos girasoles, por ejemplo, brotan apenas segundos después de ser plantadas las semillas. El número no pretende la fidelidad con la vida cotidiana, y por ello, le crecen alas a los cerditos manipulados por los granjeros. El teatro tradicional ha contado en esta edición con unas representaciones del género portugués de los Bonecos de Santo Aleixo, una de las más brillantes comparecencias del Festival. La compañía se sirve de un escenario propio, un retablo, iluminado exclusivamente con lámparas de aceite. Un espectáculo que cuenta con música en vivo (a cargo de una guitarra portuguesa y percusión) con números musicales como un fado y una danza. Se trata de títeres de madera que, al igual que ocurre con sus escenografías, destacan por una plasticidad ingenua, brillante y cálida. Los títeres son manipulados por una única varilla. La celeridad de sus movimientos, como dando saltitos infatigables, se corresponde con la velocidad de sus parlamentos. Se desarrollan diversas acciones que mezclan episodios bíblicos (Creación, Tentación, un Baile de Ángeles) con números profanos festivos (danzas) y parlamentos humorísticos como los que lleva a cabo un vitalista personaje que dirige sus burlas y maldades contra un cura. No menos interesante es su dirección al público, con alusiones a distintos compañeros titiriteros que actúan en Titirimundi por nombre y apellido, con invitaciones o alusiones netamente sexuales.
Quizá, no obstante, el espectáculo más asombroso de la XXII edición de Titirimundi haya sido El Baile de los locos, una suerte de cantina que por sus dimensiones ha sido levantada en el emplazamiento que ocupa la Plaza de Toros de San Lorenzo (como el año pasado ocurriera con el soberbio espectáculo La Barraca, cantina musical del Théâtre Dromesko, del que nos ocupamos en otra ocasión). En la propuesta de la compañía Le Quarantìeme Rugissant y Des Chiffonnières, diversos interludios musicales (a cargo de guitarra, acordeón, trompeta y pandereta) dan paso al desarrollo de tres espectáculos que se ocupan de un modo u otro de la locura: de la sublime soberbia del Capitán Acab (Moby Dick, de Melville), de la avaricia (a través del relato El Cocodrilo de Dostoeivsky) y del fanatismo (mediante un cuento de Chejov, que se ocupa de la Inquisición en España). A la aparatosidad de las máquinas escénicas tradicionales, de telones y poleas, y la plasticidad de los diferentes marionetas (en la que se ha perseguido una verosimilitud fisonómica, si bien caricaturesca) se suma un manejo dramatúrgico muy logrado, particularmente en el tercer número y fundamentalmente en el primero, resultando el conjunto una propuesta admirable.

José Luis Corazón Ardura

 

 

 

 

 

 

8 de MAYO, 18:00 h.

AULA MINOR de ANAYITA

ESPAÑA, ESTETICA 1945

www.seminario-sdlm.blogspot.com

Dirección:
Fabio Rodríguez de la Flor

Germán Labrador Méndez

Coordinación y diseño:

Fabio Rodríguez de la Flor

Co-dirección:
Amelia Gamoneda
Fernando R. de la Flor
Manuel Ambrosio Sánchez
Pedro Serra

Colabora:
Servicio de Actividades Culturales

Departamento de Literatura
Española e Hispanoamericana

seminario.sdlm@gmail.com

New Media at CAM presents

CHELSEA ART MUSEUM

The Promised Land: a video art exhibition about the consequences of globalization
Nina Colosi, Curator/Creative Director, New Media at CAM
Blanca de la Torre, Curator, The Promised Land

Chelsea Art Museum
556 West 22nd Street, New York, NY 10011
May 22 - June 5, 2008

The Promised Land presents a cycle of projections and video installations by several prominent artists. The feature installations will rotate and each one will be on display for one week. Additionally, in conjunction with the feature installations, a video program conceived especially for the occasion will run throughout the duration of the exhibition. Participating artists will also hold talks at Chelsea Art Museum to introduce their work and explain their artistic practices to the public.

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Julio César Abad Vidal

El ensayo de Pedro Aullón de Haro La sublimidad y lo sublime (Madrid, Verbum, 2006) procede a una discusión de lo Sublime que por su erudición, arrojo y claridad expositiva puede ser saludado como un esfuerzo titánico. El autor distingue una categoría absoluta, la de la sublimidad, potencia humana, con un término relativo o dispar en el manejo que las diferentes autoridades han hecho de él, “sublime”, en ocasiones, mero enunciado de un estilo retórico. Distinción que aparece en el título mismo del ensayo y que justifica la aportación no exclusivamente histórica y retrospectiva, sino afirmativa, a modo de manifiesto, de sus parágrafos finales.

La extensión de las obras tratadas por Aullón de Haro en un ensayo relativamente breve (apenas supera los dos centenares de páginas) resulta abrumadora. Junto al estudio de las personalidades canónicas de estas reflexiones, desde la Antigüedad a los maestros de la disciplina estética, rescata el autor una pléyade de contribuidores apartados generalmente de estos estudios, siendo especialmente notable su aportación en el ámbito del pensamiento estético español. La recuperación de muchas de estas aportaciones olvidadas conduce al autor a considerar a “la estricta categoría de lo sublime como lugar central de la investigación estética” (p. 15). Si hubiera de señalarse alguna ausencia en este acaparador estudio tal vez podría identificarse la de la heterodoxa e imbuida del Neoplatonismo -que estudia el autor con esmero en otros autores y cuyo calado se siente en sus propias consideraciones- de una figura crucial del Prerromanticismo inglés (estadio al que dedica un fértil capítulo), el poeta y artista gráfico William Blake cuyo tratamiento hubiera sido aquí acaso deseable [1].

Julio César Abad Vidal

“Hablar sin esperanza es hablar sin bondad”
(Brecht: El alma buena de Sezuán, escena tercera)

Estas notas pretenden analizar la edición que del “Teatro completo” de Brecht ha publicado la editorial Cátedra en su colección Bibliotheca Avrea (BRECHT, Bertolt: Teatro completo. Ed. y tr. de Miguel Sáenz. Madrid, Cátedra, 2006), un proyecto que con sus casi dos millares de páginas permite, al coste aproximado de dos novedades editoriales de precio medio y probable escaso eco, apreciar las múltiples voces de un autor crucial para el desarrollo de las artes del siglo XX. En primer lugar, habría de señalarse que el volumen no es, salvo algunas excepciones, sino la refundición de las distintas entregas de la edición seriada de las obras dramáticas de Brecht emprendida por la editorial Alianza desde 1987 y reeditada en 2000 como “Biblioteca Brecht”, con portadas que reproducen fragmentos de la obra plástica del dadaísta Georg Grosz, exiliado, como éste, con la llegada del nazismo [1]. Por lo tanto, no es ésta ni una edición crítica (como sí ocurre en los volúmenes de la colección Letras Universales de esta misma editorial, que por su precio y la calidad de su edición didáctica constituyen casi en cada caso la elección de referencia de sus respectivos títulos). En este sentido, se lamenta la escasa contribución novedosa del traductor respecto de su labor en Alianza, quien no ha procedido a una generosa labor de anotación en auxilio del lector, como tampoco en sus sucintas introducciones a algunas, que no a todas, las obras del repertorio presentado de Brecht [2] . La aportación más significativa del volumen es la traducción de un texto inédito hasta la fecha en castellano, una obra de juventud, en un acto, titulada La Biblia (1913-1914), en la que se procede a la paráfrasis de distintos textos del Nuevo Testamento en un escenario en guerra, el enfrentamiento entre católicos y protestantes en los Países Bajos, como una manifestación temprana de la confianza inamovible del autor en torno al carácter alienador de las religiones. Sin embargo, resulta discutible en cualquier caso, la denominación de “completo” de esta edición del teatro brechtiano. Máxime cuando su producción dramática resulta tan prolija como desafiante de los parámetros tradicionales de los conceptos de autoría y de colaboración. En efecto, en la obra dramática de Brecht, son ingentes las versiones, las transposiciones, las glosas a textos heterogéneos (tanto dramáticos, desde el drama isabelino [3] hasta el teatro noh japonés [4], como a dramatizaciones de textos novelísticos [5]), hasta el punto de resultar en extremo complicado diferir en muchas de sus obras si se trata de versiones u originales [6]. Y, en cualquier caso, resulta acaso engañoso para el lector hacerse con la promesa del “teatro completo” de Brecht cuando el conocimiento de la obra teórica de Brecht resulta crucial para una lectura más informada de la dramaturgia del autor, aunque ésta sea en sí misma autosuficiente [7].